Mozart y el piano

Wolfang Amadeus Mozart, el pianista y compositor de origen austriaco, se autocalificó como el hombre que ama a Dios, hecho que realizó al ponerse su nombre artístico “Amadeus”. Fue el padre del clasicismo, y el artista que hasta el día de hoy ha tenido más influencia en la música clásica. Se destacó en diversos ámbitos de esta arte, especialmente, con el piano, Mozart llegó a obtener una popularidad que está perenne y lo ha estado desde hace casi tres siglos. Este artículo, busca centrarse en su evolución con este último instrumento, analizaremos sus mejores piezas y nos adentraremos un poco en su historia.

Evolución de Mozart con el piano

Las aptitudes musicales de Mozart se empezaron a manifestar desde que el era apenas un infante cuando su padre descubrió el gran don que este poseía intrínsecamente. Fue el teclado uno de sus principales asistentes para poder brotar su talento. Empezó a desenvolverse en su localidad de nacimiento Salzburgo, a los cinco años esta eminencia que tenía incluso la capacidad de improvisar, ya hacía piezas musicales que eran contempladas por la aristocracia y la realeza Europea del momento y que hoy en día son valoradas.

A medida que fue creciendo, iba acumulando experiencias que le permitieron crecer profesionalmente en su campo, la vocación musical de Mozart era de semblante genético. Una de sus giras donde demostró su dominio con el Piano, la hizo con su padre y su hermana, tuvo la oportunidad de tocar para personajes políticos muy importantes de la época como Maximiliano Joseph III, el Rey Luis XV en Paris, Jorge III, para el Duque Leopoldo y el emperador Leopoldo II. En esta gira además, conocería a grandes músicos que le sirvirían de influencia para posicionar su talento.

Siempre fue un fiel practicante de la doctrina católica,esto le concedió la oportunidad de componer piezas para un Arzobispo que había sido escogido en ese entonces, también pudo dar serenatas y entre otras en misas. Mozart tuvo la oportunidad de ser parte de muchas cortes en Salzburgo.

Se presume que la suerte estuvo del lado de Mozart, para el momento de su existencia, solo los músicos que pertenecían a una corte, tenían la posibilidad de crecer en cuanto a fama. El caso de Mozart por su parte, trascendió de la corte, y alcanzó mucho más que esto, cobrando popularidad en su región y dándose a conocer.

Luego de una serie de sucesos que le ocurrieron en esta etapa de su vida como la muerte de su madre y la renuncia de la corte a la que pertenecía, lo llevaron a buscar nuevos horizontes, saliendo de su zona de confort y se traslada a Viena, donde pudo explotar todo lo que tenia para dar y donde se posicionó.

En Viena todo empezó con tendencias positivas, frecuentemente se presentaba como Pianista y seguía siendo el intérprete para iconos de la realeza, y esto le permitió consolidarse como el mejor Pianista residente en Viena. El éxito lo fue consolidando ya que ofrecía conciertos improvisados junto a otros músicos, y organizaba un concierto en cada estación para debutar con el piano.

Esta popularidad que Mozart alcanzó, le permitió extenderse por Europa, al punto que en sus últimos años de vida, componía piezas musicales para enseñar a las personalidades de los reinos en dicho continente, era un gran prestigio aprender con sus obras.

Una de los trabajos más significativos para Mozart fue “Gran misa en do menor, que la estrenó cuando hizo la presentación a su familia de su amada Constanza, mientras que el tocaba, y ella cantaba.

Las mejores obras de Mozart para Piano

Mozart fue un maestro en cuanto al Piano, elaboró las más prestigiosas notas que hoy en día son parte de la cultura universal y el delirio de todas las personas con estilos de vida clásicos. Entre el ranking de sus mejores notas se encuentran:

  1. Sonata para Piano 11. En la mayor, K.331/300i. Se desconoce su localidad de composición, pues no se sabe si fue en Salzburgo o en Viena. Las hipótesis han arrojado que nació para la fecha de 1778-1783. Es una de las más importantes obras de Mozart, los aficionados de la música le han variado las versiones, pero han conservado el origen que Mozart otorgó. Es conocida como la “Marcha Turca” y se da con tres movimientos donde primeramente se empieza con un ritmo variado en el marco Mozartiano, posteriormente se da paso a un minueto con aires de canto, y para finalizar el tercer movimiento es el más agitado, donde se aprecia lo que se conoce como la “Marcha Turca” y que ha sido modificado. Esta pieza se popularizó ya que había un gusto por la música militar turca en el momento, está adaptación exitosa empezó en Europa pero se extendió geográficamente. Para la época que esta pieza nació, era una trama común porque era la moda, lo que en otro orden de ideas se puede afirmar que la causa que llevó a Mozart crear esta obra musical, era la tendencia del momento, donde el Piano con pedales Jenízares era el instrumento más resaltante para su interpretación, tiempo más tarde, este fue adaptado a cualquier otro instrumento. Mozart fue realmente fanático de esta ola Turca militar, pues la recreó en operas y en sus más anhelados gustos musicales.

  1. Sonata para Piano 1. Se da en Do Mayor, K. 279/189d. Esta creación musical de Mozart remonta su nacimiento a los años 1773-1774. Para el momento, la tendencia era el romanticismo Italiano. Junto a seis piezas más de sonatas, Mozart se inspiro para darles vida antes de uno de sus viajes a Múnich, los nombres que recibieron este conjunto de sonatas fue “Pour le clavecín” y  “Pour le forte-piano”. La historia ha arrojado que esta obra es un perfeccionamiento de algo que había empezado con otros aires en años anteriores e incluso, que fue particular en el tiempo de elaboración, puesto que una parte fue hecha en 1773 y se concluyó en 1774. Los movimientos musicales que se aprecian en esta sonata son distribuidos de la siguiente manera “Allegro-Andante-Allegro” aunque diferentes autores han expuesto que consta de cuatro movimientos más. Por su parte, la melodía es más relajante y tranquila.

  1. Sonata para Piano 25. Se da en Do Mayor K. 503, la particularidad de esta pieza es que es una de las más largas creaciones de Mozart, puesto que dura aproximadamente 30 minutos y en sus conciertos generalmente la emitía con otro tipo de instrumentos como el clarinete, las trompetas y los timbales. Recibe el nombre también de “Concierto Emperador” fue hecha en Viena para la fecha de 1784 a 1786. Uno de sus últimos recitales, el cual le dio forma final en un concierto que hizo al lado de la Sinfonía Praga. Mientras que Mozart estuvo vivo, está obra fue interpretada en diversas oportunidades, pero el valor que esta obra solemne cobro, lo hizo después de su muerte, incluso, en la planificación que se iba a dar en el repertorio tuvo aceptación años después al punto de ser calificada como una de las más importantes en su aporte a la música. Esta Sonata hace referencia al que en su momento fue el himno de Francia, mejor conocido como la “Marsellesa” y en una parte de la interpretación, reluce un ritmo similar. Los movimientos musicales que se aprecian son el Allegro, que por cierto era uno de los favoritos de Mozart, hace presencia en la melodía de una manera repentina en repetidas ocasiones, es en este movimiento donde se puede deleitar de la fusión de melodías inspiradas en la anteriormente mencionada Marsellesa y aquella sinfonía súbita sigue presente ya que se da primero en un tono menor y minutos luego, majestuosamente se da paso a una interpretación en el tono mayor, en los movimientos de esta sonata también se da un Andante, que en otras palabras quiere decir que es una parte relajada, donde el protagonista es el viento, para luego dar paso a un Allegretto, se aprecia un ritmo inspirado en la Gavota, era una danza tradicional de Francia que Mozart también le dio vida en una de sus operas, y en esta sonata toma posición, al igual que la primera parte, se empieza en un todo menor pero termina de forma imponente. Es importante resaltar que esta fue una de las sonatas que tuvo más influencia en las obras de Beethoven.

 

  1. Sonata para Piano 16. Se da en Do Mayor, K. 545. Una de sus obras más conocidas, la Sonata Facile o la Sonata Semplice nació el 26 de Junio de 1788, también fue una de sus últimas creaciones y por declaraciones del propio Mozart, fue una obra que diseño con la finalidad de atribuir facilidad a los principiantes en el piano o para aquellos que solo desearan debutar algo sencillo. De esta se conoce que fue hecha en un verano pero no se sabe la tendencia de la misma, ya que en vida de Mozart, esta pieza no tuvo mucho auge, después de su muerte, si lo tuvo y se presume que por la sencillez este auge no se dio antes, sin embargo, su sencilla finalidad ha sido practicada hoy en día. Esta pieza, en las ocasiones que fue interpretada, era comúnmente acompañada de un instrumento llamado “El bajo de Alberti”. Los movimientos de esta majestuosidad, se da primero en un Allegro, donde usualmente se hacía uso del instrumento acompañante, aquí básicamente se da una evolución de tonalidades entre los tonos menor y mayor, que prosigue en un segundo movimiento o en este caso un Andante donde predomina Sol Mayor, pero con una fusión suave en todas las escalas de esta nota musical para terminar con un Rondo en tonalidad igual, mayor. Es un tema muy movido y la facilidad radica en que la pieza se basa prácticamente en una repetición de unas mismas notas musicales.


  1. Sonata para Piano 14. Se da en do menor K. 457. Da a luz el 14 de Octubre de 1784, sin embargo su publicación se dio en diciembre del año que le seguiría, esto por el propio Mozart cuando da vida a su álbum privado. Fue una de sus primeras sonatas que realizó en Viena y su creación duro aproximadamente diez años, las premisas son que la realizó para su gusto personal. También existe la premisa de que fue para darla a conocer a sus aprendices. Para el momento, las obras tenían una finalidad domestica y esta con una duración basada en dieciocho minutos, tenia esta corriente. En la época en que esta obra nace, en la vida de Mozart acababa de suscitar un hecho muy trascendente como lo fue la muerte de su madre, por ende se presume que esta sonata fue algo muy personal. La mayoría de las sonatas de Mozart se daban en una tonalidad Mayor, pero esta no tuvo esa gran característica, y por eso ya tenía una peculiaridad muy curiosa, ya que la historia ha concluido que la muerte de su madre tuvo influencia en esto. Entre otros de los datos curiosos que posee esta sonata, se encuentra que Mozart también tuvo otra pieza musical en tonalidad Menor llamada “La Fantasía” la cual tuvo una interpretación por separado pero una publicación igual, no obstante los expertos en este tema no habían podido concluir si son las mismas o no, lo cierto es que grandes diferencias existen; La Fantasía por su parte es de carácter improvisada y la sonata 14 era más elaborada. Efectivamente, hace pocos años se confirmó que fueron escritas por separado y que la relación quedó solo en sus tonalidades, otros los han llamado un seguimiento de dos piezas musicales, a pesar de que están relacionadas, son reconocidas como las dos obras que Mozart elaboro en tono menor. La sonata para piano 14 se da en los movimientos de Molto Allegro, aquí se presenta una pronunciada elevación de tono en dos oportunidades que posteriormente va bajando y ahí permanece, se prosigue con un Adagio, que no es más que una conexión entre el Allegro y el Allegro Assai que es el movimiento musical final en el cual se presencia un drama, es bastante largo y las tonalidades en generales de la pieza musical se basa en un abreboca con tonalidad mayor, donde se acentúa el tono menor de característica trágica.

 

  1. Sonata para Piano 7. Se da en do mayor K. 309/284b. La presente pieza musical de la que se habla fue producida para la fecha de noviembre de 1777 mientras se encontraba en un viaje alrededor de Mannheim y París. Fue una obra muy particular de Mozart puesto que dio paso a una nueva era sinfónica para él. El rigor de la escuela de Mannheim tuvo influencias en esta sonata, pues es muy trágica, dolorosa, transmite ese sentimiento de agobio que anteriormente no se había presenciado en las obras de Mozart. El singular personaje desahoga en esta obra experiencias que tuvo en la escuela, hace referencia a su profesor y a su hija, por la cual posiblemente sintió atracción y el padre de Mozart quien tuvo mucha influencia en el. Se inicia con un movimiento orientado al Allegro, prosigue en un Andante relativamente Adagio donde desarrolla esa experiencia que tuvo y termina con un Rondo, en el que se dan notas que son constantemente reiteradas. En evidencia queda la particularidad de esta pieza, donde Mozart da a conocer algo que sentía para el momento.

  1. Sonata para Piano 18 . Se da en  re mayorK. 576, se presume que fue la última obra que Mozart pudo realizar, ya que años más tarde de la composición, empieza la enfermedad y muere. Originó en Viena en la fecha de Noviembre de 1789. Se conoció una carta de Mozart donde se dirigía a su hermano para contarle de la realización de seis sonatas que daría a la princesa Friederike, hija del Rey Federico en Berlín y un juego de seis más para la ley, lamentablemente el final fue otro y Mozart solo completo esta. El trasfondo de la historia remonta en los hechos de que gracias al prestigio que Mozart había adquirido, personas importantes de la realeza europea le habrían encargado la elaboración de piezas musicales. También se tiene la idea de que no fue precisamente para la princesa que escribió dicha pieza, ya que es una pieza con dificultad, dando paso a la duda si ese fue el propósito, no obstante, esta obra musical en sí, se considera la más difícil a la que pudo dar vida Mozart, la dificultad radica en el delicado detalle de la parte contrapuntística, las cuales se presume que se basó en ese último viaje donde pudo ser atendido como un verdadero maestro. El tema se da con movimientos entre lo rápido y lo lento, pero gana la agilidad, una primera parte de carácter Allegro constituido en una repetición de lo que hace una mano y que la otra debe hacerlo, siguiendo en un Adagio con una melodía imponente pero bastante clara y cerrando con un Allegretto muy similar a lo que se presenció primeramente pero con característica de calma al final.

 

Mozart fue realmente un maestro y uno de los mayores aportes a la música, fue pionero, y personajes que en los siglos posteriores a la existencia de Mozart, deben su talento a este personaje, porque se consolidaron en base a su obra y pudieron consolidar ellos a la obra.

Instrumentos de orquesta y evolución de la misma

Que Es Una Orquesta Hoy En Día


La palabra orquesta fue utilizada por primera vez por los antiguos griegos y tiene por significado «lugar donde se danza». Hacia referencia al sitio circular al frente del escenario donde se ubicaban los artistas y músicos para realizar su interpretación. Durante el clasicismo su uso se extendió para incluir a los músicos en el escenario. Las primeras orquestas fueron organizadas por reyes y reinas de Francia, en iglesias. La mayoría usaban instrumentos de orquesta de cuerda y tocaban para ballets, óperas y en fiestas de baile.

Actualmente una orquesta se concibe como un gran conjunto instrumental compuesto de una mezcla de instrumentos de diferentes familias distribuidos en secciones específicas. Pero es obligatoria la presencia de instrumentos de cuerda para recibir la designación de orquesta, de lo contrario sería una banda.

En una orquesta destacan al principio los instrumentos de cuerda, luego los de viento madera, después los de viento metal, al final los de percusión, a veces existe una quinta sección de teclado, ubicada entre las cuerdas y los de viento madera, donde pueden aparecer otros instrumentos, como el piano, la celesta o el arpa de concierto, también es posible observar en composiciones modernas instrumentos electrónicos.

Las orquestas aparecían especialmente reunidas para ocasiones importantes. Después de eso, la formación y evolución de las orquestas se siguen en cuatro períodos.

Evolución de las orquestas


  • Orquesta Barroca (1600-1760)

 

En la música barroca, las cuerdas fueron la parte más importante. Las orquestas barrocas tenían de 10 a 30 músicos, conformadas principalmente por instrumentos de cuerda. En la orquesta barroca, las cuerdas y los vientos tocan el mismo tipo de música melódica y rítmicamente.

El viento de madera y el bronce se usaron como instrumentos melódicos, pero luego se usaron principalmente para mantener la armonía. En el período barroco, la orquesta no estaba estandarizada en tamaño. Hubo grandes diferencias en cuanto a tamaño, instrumentación y estilos de interpretación, y por lo tanto en paletas y paisajes sonoros orquestales, entre las distintas regiones europeas. La ‘orquesta barroca’ varió desde orquestas más pequeñas o conjuntos con un músico por parte, hasta orquestas de mayor escala con muchos músicos por parte.

 


  • Orquesta clásica (1750-1830)

 

Las orquestas clásicas usaban de 30 a 60 músicos en cuatro secciones: cuerdas, instrumentos de viento de madera, metales y percusión. Los compositores clásicos explotaron los colores de tono individuales de los instrumentos y no tratan los instrumentos de manera intercambiable. Una pieza clásica tiene una mayor variedad y cambios más rápidos de color de tono.

Cada sección de la orquesta clásica tenía un papel especial. Las cuerdas fueron la sección más importante, con los primeros violines tomando la melodía la mayor parte del tiempo y las cuerdas más bajas proporcionando un acompañamiento.

Los instrumentos de viento de madera agregaban tonos de colores contrastantes y solían recibir solos melódicos. Los cuernos y las trompetas llevaron el poder a pasajes ruidosos y se llenaron con la armonía, aunque normalmente no tocan la melodía principal. Los timbales se utilizaron para la expresión rítmica y el énfasis.

 


  • Orquesta romántica (1815-1910)

 

Las orquestas románticas tenían hasta 100 músicos o más, y presentaban un mayor uso de los instrumentos de viento metal y el piano. La música romántica como movimiento evolucionó a partir de los formatos, géneros e ideas musicales establecidas en períodos anteriores, como el período clásico, y fue más allá en nombre de la expresión y el sincretismo de diferentes formas artísticas con la música.

El romanticismo no se refiere necesariamente al amor romántico, aunque ese tema prevaleció en muchas obras compuestas durante este período de tiempo, tanto en literatura, pintura o música.

El romanticismo siguió un camino que condujo a la expansión de las estructuras formales para una composición establecida o al menos creada en sus contornos generales en períodos anteriores, y el resultado final es que las piezas se “entienden” como más apasionadas y expresivas, tanto para el siglo XIX como para el público de hoy.

 


  • Orquesta Sinfónica Moderna (Presente)

Las orquestas modernas son un poco más pequeñas que en la Era Romántica (todavía existen la sinfonícas y otras orquestas muy grandes). Algunos pueden centrarse en los sonidos únicos (o incluso extraños) de los instrumentos individuales.

La orquesta sinfónica moderna varía en tamaño, pero por lo general tiene una potencia de alrededor de 100 músicos. El mayor lote de estos son de cuerdas, que contienen unos 60 a 70 músicos. Esto típicamente comprende unos 16 primeros y segundos violines, 14 violas, 14 violonchelos y 8 – 10 contrabajos. Sin embargo, estos números a veces se reducen cuando se tocan piezas del siglo XVII.

Los violines son los instrumentos musicales solistas en una orquesta sinfónica al momento de un concierto, el primer violinista llamado concertino es la persona más importante después del director. Se encarga de ejecutar los solos de violín si los hay, afinar la orquesta y ayuda a marcar los tiempos.

 

Tipos de orquestas que existen hoy en día

Las orquestas son tan diversas como la música que interpretan, desde temas de ópera y clásicos hasta jazz y películas modernas. Una orquesta es una forma de arte antigua que comenzó con pequeños grupos de músicos hace más de 2.000 años y se convirtió en una compañía de hasta 100 interpretes. Tres tipos distintos de orquesta, sinfónica, cámara y cuerda, exponen al público de todo el mundo a nuevas experiencias culturales y musicales cada año.

Sinfónica

La orquesta sinfónica se compone de un grupo de 50 a 100 músicos. Contiene instrumentos de cuerda, viento, madera y percusión. En promedio el tamaño de una orquesta completa es de aproximadamente 80 interpretes. Una orquesta moderna puede consistir en 9 instrumentos viento madera, 10 viento metal, 12 de percusión y 50 a 60 instrumentos de cuerda.

No es raro que una ciudad tenga más de una orquesta: Nueva York cuenta con una sinfonía y una filarmónica, con la misma estructura pero nombres diferentes para diferenciarlas. Las sinfonías interpretan música variada, desde música clásica, jazz y bandas sonoras de películas. Siempre son coordinados por un director.

orquesta sinfónica música clásica

Cámara

Esta orquesta cuenta con menos de 50 músicos por lo que resulta una versión a escala de la sinfonica. Debe su nombre a que el número de integrantes tiene que entrar en la sala de cámara de una casa privada o sala pública.

Utiliza un músico por parte musical, en contraste con los dos o tres músicos que interpretan la misma parte en una sinfónica. La cantidad de instrumentos de cuerda escapa de esta regla, ya que generalmente son los mismos en las orquestas sinfónicas y de cámara. La música que interpretan es idéntica a una orquesta sinfónica. También son guiados por un director.

orquesta cámara musica clásica

Cuerda


Es la más pequeña de las orquestas, compuesta solo por instrumentos de cuerda como el violonchelo, el violín y la viola. Su tamaño promedio es de ocho instrumentos de orquesta, aunque puede tener entre 12 a 18 con la adición de más violines. Las composiciones musicales que se tocan en orquestas de cuerda han sido escritas exclusivamente para sus instrumentos, principalmente en los estilos barroco o clásico. Una orquesta de cuerdas no requiere un director debido a su pequeño tamaño.

musica clçasica, cuerda

Existen otros tipos de orquestas, tales como:

– La teatral, donde sus integrantes se ubican en un sub nivel al frente del escenario donde se presentará un ballet, una opera o se requiere ambientación.

– Bailable, caracterizada por la ejecución de música bailable.

Instrumentos de orquesta según su categoría

Así, una vez entendidos tipos de orquestas que existen , ya podemos hablar sobre los instrumentos orquestales o también denominados familias orquestales suelen dividirse en :

Familia de cuerdas

Esta familia reúne un grupo de instrumentos de orquestas hechos en diferentes tipos de madera que son huecos por dentro para permitir que el sonido vibre dentro de ellos, pero la parte del instrumento que hace el sonido son las cuerdas, que están hechas de nylon, acero o, a veces intestino. Generalmente, las cuerdas se tocan dibujando un arco sobre ellas.

¡El mango del arco está hecho de madera y las cuerdas del arco son en realidad crines de cola de caballo! A veces los músicos usan sus dedos para tocar las cuerdas, y en ocasiones se vuelven el arco boca abajo para tocar con el mango de madera las cuerdas.

Son la familia más grande de instrumentos de orquesta y vienen en cuatro tamaños: el violín, que es el más pequeño, viola, violonchelo, y el más grande, el contrabajo, a veces llamado contrabajo. Los instrumentos más pequeños, el violín y la viola, producen sonidos de tono más agudo, mientras que el violonchelo y el contrabajo producen sonidos ricos y bajos. Todos tienen forma similar, con cuerpos de madera con curvas y cuellos de madera. Las cuerdas se extienden sobre el cuerpo y el cuello y se unen a pequeñas cabezas decorativas, donde se sintonizan con pequeñas clavijas de afinación.

 

Cuerda frotada

 

Los instrumentos de cuerda frotada, como su nombre lo indica, son aquellos donde el sonido se produce al frotar sus cuerdas.

Al frotar las cuerdas, una vibración de las mismas produce el sonido. Aunque también puede producirse pellizcando las cuerdas, esto se llama pizzicato. Los instrumentos de cuerda frotada son el violín, la viola, el chelo y el contrabajo.

 

  • Violín
  • Viola
  • Violonchelo
  • contrabajo

Cuerda pulsada:

 

Aunque de gran antigüedad, el arpa ha atraído recientemente la atención de músicos serios. Originalmente era un instrumento diatónico y la modulación de la clave no era posible. Su adopción como instrumento de arte data del año 1810, cuando Sebastian Erard inventó el arpa de doble acción, cuyo mecanismo apenas se ha mejorado hasta el día de hoy. De hecho, se puede decir que Erard dejó este instrumento tan completo como los luthiers italianos dejaron el violín.

Las cuerdas son de tripa, las del registro inferior giradas con alambre de metal. Para ayudar al ojo, todas las C’s son de color rojo y las F son azules. La notación de las partes de arpa es la misma que la del piano. Aunque el arpa no es un miembro regular de la familia orquestal, con frecuencia se necesitan una o más arpas en los puntajes modernos. Su brillante efecto es muy conocido como para requerir una descripción. Los armónicos son posibles y son de belleza etérea en pasajes suaves.

Cuerda percutida:

 

La gente no está de acuerdo sobre si el piano es un instrumento de percusión o cuerda. Se toca golpeando sus 88 teclas en blanco y negro con los dedos, lo que sugiere que pertenece a la familia de percusión. Sin embargo, las teclas levantan martillos dentro del piano que golpean cadenas (de hecho, el piano tiene más cuerdas que cualquier otro instrumento de cuerda), que producen su sonido distintivo.

¿Cual crees que es su familia? Donde sea que encaje, no hay duda que el piano tiene la mayor gama de instrumentos de orquesta. Es un instrumento sintonizado, y puedes tocar muchas notas a la vez usando ambas manos. Dentro de la orquesta, el piano generalmente admite la armonía, pero tiene otro rol como instrumento solista (un instrumento que se reproduce solo), tocando melodía y armonía.

Familia viento madera

 

Los instrumentos de esta familia solían ser de madera, lo que les da su nombre. Hoy en día, están hechos de madera, metal, plástico o alguna combinación. Básicamente son cilindros o tuberías estrechos, con orificios, una abertura en el extremo inferior y una boquilla en la parte superior.

Los tocas soplando aire a través de la boquilla (ese es el “viento” en “viento de madera”) y abriendo o cerrando los agujeros con los dedos para cambiar el tono. Las tapas de metal llamadas llaves cubren los orificios de la mayoría de los instrumentos de viento de madera.

Las boquillas de algunos instrumentos de viento de madera, como el clarinete, el oboe y el fagot, utilizan una delgada pieza de madera llamada caña, que vibra cuando la atraviesa el aire. El clarinete usa una sola lengüeta hecha de una pieza de madera, mientras que el oboe y el fagot usan una lengüeta doble hecha de dos piezas unidas.

Al igual que con los instrumentos de cuerda, los instrumentos de viento más pequeños tocan tonos más altos, mientras que los instrumentos más largos y más grandes tocan las notas más bajas. La familia de instrumentos de viento de madera incluye, desde los más altos instrumentos de sonido hasta los más bajos, el flautín, la flauta, el oboe, el cuerno inglés, el clarinete, el clarinete plano, el clarinete bajo, el fagot y el contrafagot.

 

  • Flauta
  • Piccolo
  • Oboe
  • Cuerno inglés
  • Clarinete, E-flat, bajo
  • Fagot
  • Contrabassoon

 

 

tipos de instrumento de orquesta

Familia viento metal

Los instrumentos viento metal son largos tubos de metal que el músico toca (haciendo un zumbido con los labios) a través de una boquilla en un extremo.

 

  • Trompeta
  • Trombón
  • Cuerno francés
  • Tuba

tipos instrumento de orquesta

La familia de percusión


En una orquesta la familia de percusión es la más grande. En concreto cualquier objeto que al ser golpeado, sacudido o raspado produce un sonido es un instrumento de percusión. Ser percusionista no es sencillo ya que necesita práctica constante para golpear con la fuerza adecuada un instrumento, en el lugar correcto y el momento adecuado.

Algunos instrumentos de percusión están sintonizados y pueden sonar diferentes notas, como el timbal, el xilófono o el piano, estando algunos sintonizados sin tono definido, como el bombo, los platillos o las castañuelas. El ritmo es mantenido por los instrumentos de percusión, emitiendo sonidos especiales que agregan color y emoción. Hay que destacar que un percusionista generalmente tocará muchos instrumentos diferentes en una sola pieza de música, diferenciandolo de los demás músicos.

Los instrumentos de percusión más comunes en la orquesta incluyen:

  • Timbales
  • Xilófono
  • Platillos
  • Triángulo
  • Tambor
  • Tambor de bajo
  • Pandereta
  • Maracas
  • Gong
  • Carillones
  • Castañuelas
  • Celesta
  • Teclados / Otros

 

Teclados y otros. Piano, clavecín, órgano y arpa

 

Estos instrumentos de orquesta a menudo se clasifican como instrumentos de percusión porque juegan un papel rítmico en la música. Sin embargo, los instrumentos de teclado no son verdaderos miembros de la percusión.

El sonido se produce en el piano con pequeños martillos golpeando las cuerdas mientras el músico presiona las teclas.

Saborea la música y escucha la comida

Este viernes 24 de diciembre Beemusic empieza en el Volander una propuesta diferente, una fusión de comida y música clásica que seguramente a nadie dejará indiferente.

El dúo de guitarra y flauta Patricia Sanchis y Daniel Rengel ofrecerán un concierto que nos llevará por diferentes países del mundo con música. Brasil, España, Francia, República Checa, India y Estados Unidos y Paladar nómada nos trasladará a esos mismos países con una comida deliciosa. Os dejo el menú y el programa para que os entren ganas de reservar.

 

Menú

Pan de queso

Entreacte Tosta pisto y morcilla

Quiche de jamón y queso

Goulash

Arroz al curry

Brownie

 

Programa 

-bachianas brasileiras (villalobos)
-entreacte (ibert)
-mouviments perpetues (francis poulenc)
-sonata op 18 (jan Truhlar)
-gonissienne n1 (erik satie)
-je te veux (erik satie)
-el amanecer encantado (ravi shankar)

Este domingo la era romántica

concierto música clásica valencia 26/11/2017

El romanticismo emergió a finales del siglo xviii en el arte y la literatura, y algo más tarde en la música. Los románticos rechazaban las limitaciones de las convenciones clásicas, ya que la originalidad era esencial para ellos. Ensalzaban lo emocional e instintivo y buscaban en la naturaleza su inspiración.

Este domingo Pablo Baidez magnífico músico irá al Café mercedes para interpretar algunas de las obras que mejor explican esta apasionante época. Reserva ya para no perderte este concierto.

Programa

Impromptu 2 (Schubert)

Romanza sin palabras ( mendelssohn)

Impromptu 4 ( schubert)

2x Preludio (Chopin)

Rigoletto( Liszt)

Estudio 13 ( Chopin)

Nocturno op 37 no 1 (Chopin)

La música de Chopin

En toda su música hay un piano, y la mayoria de sus obras son exclusivas para este instrumento. Parecía que sus obras llegaban a la partitura ya compuestas. La notación era la ultima etapa de la improvisación al teclado, y a veces la obra evolucionaba tras su publicación.

Escribió sus primeras obras para sus propios conciertos, pero, tras abandonar los conciertos encontró su voz única, y cada uno de sus trabajos es una obra maestra. Refinaba y alegraba un estilo simple y melódico que escribía principalmente para sus discípulos, y su virtuosismo alcanzaba un grado sublime en el drama de sus obras más complejas, para conciertos a gran escala. Siempre estuvo interesado en las formas de danza-el vals fue una constante dentro de sus obras- y mostró su identidad polaca a través de la mazurca y la polonesa.

Ven a la clase del 22/11/17 en el Kaf Café a escuchar y aprender más sobre de Chopin.

“Tras tocar música de Chopin, siento que lloro por los pecados que nunca cometí y plaño tragedias que jamás me ocurrieron”

Exiliado por la revolución, abandonado por su amante, moribundo y consumido, pero siempre elegantemente vestido, la frágil imagen de Chopin se ajusta a los estereotipos del artista romántico. Considerado el primer poeta del piano, su música popular siempre ha trascendido a las modas. Su música anunció la liberación de su Polonia natal y aún hoy acompaña a muchos gobernantes nacionales a la tumba.

Oscar Wilde dijo “Tras tocar música de Chopin, siento que lloro por los pecados que nunca cometí y plaño tragedias que jamás me ocurrieron”

Ven el próximo 11 de Noviembre a escuchar a Sayuri Akimoto el concierto “El Chopin más íntimo” más info

Descubre a Villa-Lobos este domingo

Sorprendentemente prolífico, Villa-Lobos fue un personaje magnífico que ha alcanzado un estatus de leyenda en Brasil. Hizo un estudio muy extenso sobre música folclórica de su país natal, que incorporó a su estilo musical ecléctico Más tarde, estos conocimientos formaron la base de las reformas radicales en el sistema de la música brasileña bajo el Gobierno nacionalista de 1930-1940.

Quizá sus mejores obras son aquellas en la que la veneración por el barroco es más obvia, como en la colección de Bachinas Brasileñas que este domingo Patricia Sanchis y Daniel Rengel interpretarán en el Café mercedes a las 20:00. No te lo pierdas y reserva ya al 631 706 906 (Whatsapp)